１６世紀にポルトガルが、次いで１７世紀にオランダがヨーロッパにもたらした中国磁器は、王侯貴族の間で大流行し、ヨーロッパ各地で中国磁器製作の秘術が探求されました。その結果まず完成したのが、１６世紀イタリアのメディチ磁器をはじめ各地で製作された軟質磁器です。
セーヴル磁器製作所の前身であるヴァンセンヌ製作所は、１７４０年、パリ東端に位置するヴァンセンヌの城の塔内で、軟質磁器の製作所として設立されました。 ルイ１５世の庇護の下、１７５６年に規模を拡大してパリ西端のセーヴルに新築・移転、王立セーヴル磁器製作所となりました。
やがて、中国磁器のようにカオリンを用いた硬質磁器がヨーロッパでも製作できるようになりました。その嚆矢はザクセン公国が１７１０年に設立した、マイセン製作所です。セーヴルが硬質磁器の製作に成功したのは、公式には１７７０年のことでした。
セーヴルは当初、マイセン磁器を手本としていました。しかし１７５１年、ルイ１５世の寵姫・ポンパドゥール夫人がセーヴル磁器に興味を示すようになると、マイセン磁器の模倣を止め、ポンパドゥール夫人（１７２１－６４）の好みに応えて独自のスタイルを創出していきます。当代一流の宮廷芸術家たちが次々に新しい形と意匠を提案し、卓越した技術を持つセーヴルの技術者たちが磁器という素材の上に実現しました。
その結果、セーヴル磁器に特徴的な、愛らしい子供たちや優雅な庭園を主題にした作品が生まれました。よりリアルな絵画表現のため無数の色絵具の新色が開発され、さまざまな壺や、大理石を思わせる無釉白磁のビスキュイ彫刻、セーヴルを象徴する濃く麗しいブルーの地色も誕生しました。
本章では、セーヴルの芸術的挑戦が創り出し、１８世紀の宮廷人の心を虜にした食器セット、壺、テーブルセンターピースなどをご紹介します。セーヴルのスタイルは東洋への憧れからもマイセン風からも脱却して、フランス独自の磁器芸術として歩み始めたのです。

フランス革命（１７８９－９９）に端を発した大きな政治的混乱にもかかわらず、セーヴルは国有の製作所として存続しました。
１８００年から１８４７年まで所長を務めたアレクサンドル・ブロンニャール（１７７０－１８４７）は、１９世紀の製作所を黄金期に導きました。鉱山技術者であると同時に鉱物学、地質学、動物学の研究者でもあった博識なブロンニャールの業績は、大きく４つに分けられます。第一に、鳥類学・植物学・地形測量学など広範な分野の知見を加えて、形や装飾を一新したこと。第二に、教育・技術双方に資する世界初の陶磁とガラス専門の美術館を１８２４年に設立・公開したこと。第三に、画期的な製造技術を導入したこと。最後に、ステンドグラスや銅胎七宝など、磁器以外の火を用いる芸術分野にも挑んだことです。ブロンニャールの死後も、新技術の開発は盛んに推し進められました。一方造形面では、歴史主義の時流に倣い、装飾過剰とさえ言えるスタイルに達しました。製作所と美術館が現在の地に移転したのもこの頃（１８７６年）です。
本章では、ブロンニャール時代の食器セットや壺などを中心として、広範な学問分野にまたがる豊かな知識とすぐれた技術が結晶した、１９世紀のセーヴルの魅力をご紹介します。

１９世紀後半、セーヴルを含む欧米諸国、日本、中国の陶磁器製作所は、万国博覧会で作品が一堂に会したことで互いに大きな刺激を受け、技術と芸術性の双方において競い合いました。ジャポニスムが隆盛をみたのもこの頃です。
１８９７年に製作所の芸術部長に任命されたアレクサンドル・サンディエ（１８４３－１９１６）は、アール・ヌーヴォー様式を取り入れます。滑らかで洗練されたフォルム、植物を主要なモチーフとし左右対称性を強調した図案、各作品の形態に最も適した技法で施された装飾。すべてが完璧なレベルで調和した新しい作品群が誕生しました。それらは１９００年のパリ万国博覧会において絶賛を博し、特にアガトン・レオナール（１８４１－１９２３）の優美で華やかなテーブルセンターピース「スカーフダンス」は、大きな評判を呼びました。
ジャポニスムやアール・ヌーヴォーを経て、それまで外国人に門戸を開くことのなかったセーヴルが、１９０４年に外国人初の「協力芸術家」として日本の彫刻家・沼田一雅（ぬまたいちが）を受け入れたのは特筆すべきことです。一雅が提案した女性像や動物像はビスキュイ彫刻となり、その原型は今も大切に保管されています。一雅は、現在まで続く日本とセーヴルの交流の端緒とも言えるのです。
１９２０年代には、形はさらに簡潔になり、装飾は幾何学的になって、質感や色彩の洗練が進みました。いわゆるアール・デコ様式の採用です。１９２０年に着任した所長、ジョルジュ・ルシュヴァリエ＝シュヴィニャール（１８７８－１９４５）は、著名な芸術家、建築家、室内装飾家に協力を求め、１９２５年のパリ現代装飾美術・産業美術国際博覧会では、斬新な形の壺や照明器具などを発表しました。そこで大きな成功を収めた製作所は、朝香宮邸（現・東京都庭園美術館）などの重要な発注を受けるようになりました。
本章では２０世紀前半のセーヴル黄金期を築いたアール・ヌーヴォー様式とアール・デコ様式から選りすぐりの作品と、彫刻家・沼田一雅の作品をご紹介します。

１９６０年代以降のセーヴル製作所は、歴代の名品の復刻を続ける一方、現代の著名な芸術家を招き、さらに魅力的な磁器芸術を創出することにも力を注いでいます。
１９６４年に着任した所長セルジュ・ゴーティエ（１９１１－２００４）は、フランスで活躍していた高名な抽象芸術作家たちに声をかけ、セーヴルに新しい現代性を吹き込んでくれるよう依頼しました。それに応え、アレクサンダー・カルダー（１８９８－１９７６）やセルジュ・ポリアコフ（１９００－６９）、エティエンヌ・アイドゥ（１９０７－９６）は、真っ白なカンヴァスに向かうがごとく、磁器の皿の上に描きました。またジャン・アルプ（１８８６－１９６６）は、彼の詩的で超現実的な世界観を象徴する、優雅な曲線で構成された壺を創作しました。
ゴーティエの方針は受け継がれ、今日まで数々の有名な芸術家がセーヴルに新たな着想をもたらしました。時には製作不可能な空想にすら見えるアイデアを、セーヴルは技術と情熱の限りをつくし、磁器で実現しました。その挑戦が、新たな色、着色技法、素地についての研究をも進歩させることになりました。
例えばルイーズ・ブルジョワ（１９１１－２０１０）の《ネイチャー・スタディ》、草間彌生（１９２９－）の《ゴールデン・スピリット》のように謎めいた彫像や、エットレ・ソットサス（１９１７－２００７）のテーブルセンターピースのように自由に配置を変えられる、機能性を兼ね備えた作品もあります。これらは、セーヴル磁器の伝統的な「食卓の芸術」をすでに超越しています。
フランスの偉大な抽象画家ピエール・スーラージュ（１９１９－）は、《スーラージュの壺》を大相撲の優勝杯の一つとして製作しました。壺の正面に切り抜かれた円窓、表面に水平に彫られた無数の溝が作り出す抑揚、黒から白へと微妙に変化するグラデーションによって、セーヴルの典型的な壺が唯一の作品に生まれ変わっています。
本章では、建築・彫刻・絵画・デザインなど各分野の第一線で活躍する芸術家の自由な発想から生まれた、１９６０年代以降の作品をご紹介します。