ガット弦を使うということ、そこはバロックの延長と言ってもいいと思います。ガット弦は19世紀も、20世紀の前半までも使われていたものなので。弓が多少変わるだけで、あとは割とそのままですので、つなげやすいと思います。譜面を見てどう対応するかという面でも、バロックに割と近いところにあると思います。
近代になるまでは、演奏者が自分の味を曲に加えて、自分のものにしてしまう「解釈」が期待され、たとえばみんながクレッシェンドするところをディミヌエンドするとか、音を変えてしまうとか、ここはもっと華やかにしたいとか、あるいは本当にカデンツァを付けてしまうとか…譜面をレシピのように、自分は辛いのが好きだからもっと唐辛子を加えるというくらいに、自分のものにしてしまうというのが普通だったわけです。
実際に結果としては違うかもしれないですけど、スタートするポイントは同じだと思います。一番難しいのは、当時に美しいとされていたもの、普通と思われていたものが、21世紀の私たちにとって、違うわけですよね。そこのギャップをどうするか。
そこは、バロックを演奏するときも、ブラームスを演奏するときも、変わらない問題です。たとえばスラーというのはバロックの時代の約束、決まりというのは、二つ音がスラーでつながっているときは二つ目の音をちょっと弱くして切るという決まりがあるんですけど、この決まりというのは19世紀の後半までずっと残ったままなんです。バロックの言語を知っていますと、そこのルールがつながったりするときはあるんです。知っていると損にはならないですね。

古い楽器を普段から弾いていますと、フォルテピアノでなくともチェンバロでもファゴットでもトラヴェソでも、それぞれが、まるで新しい人と出会うような感じなんですよね。髪の毛の感じが違う。顔が違う。声が違う、すべてが違う。というものがむしろ期待されるものなんです。
同じチェンバロが2台ないのと同じように、同じエラールは二つとない。初めて楽器に会って、よろしくお願いしますと握手し、リハーサルを重ねて、慣れて、対話するような、感じになるわけですよね。それが楽しみです。

録音の企画がありまして、ヴァイオリン・ソナタとチェロ・ソナタの全曲、ピアノ三重奏曲の全曲を、ラ・フォル・ジュルネがきっかけでご一緒するようになった鈴木秀美さんと、私の妻であり音楽面でも良きパートナーのスーアン・チャイと、機会を探して弾いていきたいと思っていました。そういうプロジェクトが裏付けにあって、こういう曲目になりました。特に、トリオでは1番と3番はすでに演奏していますが、2番はぜひ本番でやりたいと思っていました。

一言では言い切れないですね。昨年春にコロナが始まって、3月4月とコンサートが全部無くなったときには、対照的な考えや感情が自分の中に走っていました。いままで狂ったような忙しいスケジュールだったので、急に暇というか、練習しなくともスコアを見なくともいい期間ができたのでほっとした部分もあったのと、それと並行して、まるで一気に魂が抜けたみたいに、音楽家ってこの世の中で意味のある職業なんだろうかと、一日の中で両方の考えが回るような期間がありました。今でもそうですけど。
音のない沈黙の日々の後の小規模なコンサートで感じたのは、生の音のショックもさることながら、音楽がないといても立ってもいられない人がこの世の中にいるんだということです。最初の一音だけで涙ぐんでしまうような人が実際にいた。そういうのを経験して、このために音楽があるんだと、だから音楽家なんだと、新たに…新たどころか初めて知ったように思いますね。
もう一つはポジティヴな面で、いろんな制限のある中で、コンサートの形式を根本的に考え直さなければいけない状況に置かれたことで、そこでいろんなクリエイティヴィティが出てきた。いままでは考えられなかったコンサート形式が許されるようになった。とりわけ即興的な要素が、このコロナが終わってもコンサートに残ってほしいですね。